Kabar yang menurut saya seru banget: Dongker menggandeng Inner Sight Games untuk membuat Dongker vs The Ratocrats, gim roguelite beat 'em up yang musiknya diadaptasi dari album Melankolia Radikal.
Latarnya Ratpublic, negara fiktif yang dikuasai politisi tikus, robot aparat, dan goblin birokrat. Tokoh utamanya Dollar, maskot Dongker yang bisa berubah jadi robot raksasa alias mecha, untuk melawan rezim korup dan menghancurkan simbol-simbol kekuasaan. Jadi selain baku hantam, gim ini juga satir politik.
Ketiga personel Dongker, Delpi, Arno, dan Dzikrie, jadi pilihan pilot dengan gaya bertarung berbeda: karakter gitaris mengandalkan cakar cepat dan perisai energi, vokalis memakai lolongan gelombang kejut dan gigitan, sementara drummer punya pukulan berat dan serangan bor. Pemain akan menjelajahi distrik, kawasan pemerintahan, dan gedung-gedung politik ikonik Ratpublic sambil menghadapi unit antihuru-hara, mesin pengawasan, sampai goblin birokrat.
Bagian musiknya yang paling bikin penasaran: lagu-lagu Melankolia Radikal diolah jadi trek instrumental pengiring pertarungan. Album berisi 11 lagu itu dirilis lewat Greedy Dust Records pada 28 Agustus 2026, termasuk "Takbir Terdengar Kejam", "Lautan Bunga Warna Terang", dan "Lagu Selepas Hujan".
Ini bukan kolaborasi pertama mereka. Sebelumnya ada Dongker Beats, gim ritme bergaya 8-bit untuk ponsel. Dongker vs The Ratocrats masih dalam pengembangan untuk PC lewat Steam, dan tanggal rilisnya belum diumumkan. Kabar terbarunya akan dibagikan lewat Instagram resmi Dongker dan Inner Sight Games.
Sumber: Pophariini
Dou aulas de violão há mais de quinze anos e tem uma pergunta que me fazem o tempo todo: como começo do zero? É normal se sentir perdido diante de algo tão grande. A segunda dúvida, quase sempre, é se a pessoa já está velha demais para começar. E minha resposta é um não categórico: nunca é tarde, o melhor momento é aquele em que você puder começar e, acima de tudo, curtir.
O primeiro passo é arrumar um violão, e não precisa complicar: serve um emprestado, usado ou novo. Eu comecei com um violão clássico meio quebrado que um primo encontrou abandonado numa obra. Se você toca guitarra elétrica, um amplificador ou fones de ouvido com multiefeitos ajudam, mas não são indispensáveis no primeiro dia.
Depois você precisa de um guia: um professor particular, um curso online, vídeos do YouTube ou uma escola do bairro. Cada opção tem seus prós e contras, e o normal é ir alternando. O importante é ter um caminho e não desistir. Aprender é somar pequenas conquistas: um acorde que hoje soa melhor que ontem, uma troca que começa a sair sem pensar.
Meu conselho final: aproveite o processo. A música é o mais importante, não a velocidade. Se está em dúvida, vá em frente, porque tocar um instrumento é uma experiência de vida que não se esquece.
Fonte: David García
A 3voor12 escolheu o Fat Dog como álbum da semana, e depois de ler a crítica de Seth de Wildt fiquei bastante curioso. Trata-se do segundo álbum da banda londrina: Cancel Me (I'm Tired).
O quinteto formou-se durante a pandemia, no sul de Londres, como reação a bandas que se levavam demasiado a sério. Os seus concertos são conhecidos por serem extremamente enérgicos e caóticos, e a banda já tinha estatuto de culto antes de sair qualquer música oficial. O álbum de estreia, WOOF., de 2024, é descrito pelo crítico como intransigente e intenso.
No novo disco a intensidade mantém-se, mas há também momentos mais calmos. O título junta o cansaço das digressões intermináveis com a cultura do cancelamento: quando se é cancelado, pelo menos pode descansar um pouco. A música mistura new wave, dance, punk e indie.
A crítica destaca algumas faixas. «Smile and Wave» abre como um punk sólido e bastante divertido. A faixa-título é um synthpop que faz lembrar os anos noventa e presta-se mais à dança. «Shit love» faz o crítico pensar numa introdução mal dobrada de uma série americana para adolescentes. «Heart of Darkness» é um indie acessível, com uma melodia cativante e o vocalista Joe Love em primeiro plano, e a faixa final, «Aliens», começa pequena e vai crescendo.
O crítico chama ao álbum uma «raça de caixote do lixo que vai para todos os lados», diferente do trabalho anterior, mas com um humor reconhecível. Soa a um disco que quero ouvir bem alto antes de formar opinião, e a descrição por si só deixa-me entusiasmado.
Fonte: 3voor12
Um caso de fraude bastante incomum na indústria da música acaba de ser julgado, e acho que vale a pena contá-lo. Segundo o VnExpress, Michael Smith, de 54 anos, da Carolina do Norte (EUA), foi condenado a 18 meses de prisão, dois anos de liberdade supervisionada e a pagar mais de 8 milhões de dólares em multas por enganar plataformas de música online para se apropriar de royalties.
O promotor Jamie McDonald, do Ministério Público do Distrito Sul de Nova York, afirmou que Smith usou IA para praticar a fraude. O FBI o prendeu em setembro de 2025, e ele se declarou culpado em março deste ano. A conduta aconteceu entre 2017 e 2024, em três etapas: criar milhares de contas de bot no Spotify, YouTube Music, Apple Music e Amazon Music; usar essas contas para tocar sem parar músicas geradas por IA que ele apresentava como obras próprias; e, então, receber royalties com base em audições falsas.
Um número chamou minha atenção. Segundo o Tom's Hardware, em abril de 2023 as contas de bot de Smith reproduziram 80,9 milhões de vezes músicas de IA por meio de planos familiares, enquanto todo o catálogo de Taylor Swift alcançou apenas 9,3 milhões de reproduções no YouTube Music com planos familiares no mesmo período. Para não ser detectado, ele distribuía as reproduções por milhares de faixas, de modo que nenhuma mostrava números de audição incomuns, e em certo momento chegou a operar 10.000 contas de bot ao mesmo tempo.
A reportagem também cita um comentário no X que sustenta que Smith usou IA para criar tanto a música quanto o público, ganhando milhões de dólares com canções que, na prática, ninguém ouvia. Para mim, essa história lembra que artistas e a indústria musical vão precisar, cada vez mais, distinguir os ouvintes reais dos falsos.
Fonte: VnExpress
O Afisha Daily escreveu sobre o novo álbum dos Shortparis, «Ilíada», mas o texto da autora, que se apresenta na redação como a maior fã da banda, soou como uma carta pessoal. Quero passar adiante o essencial.
O álbum foi gravado com Nikolai Komiagin, que morreu a 20 de fevereiro de 2026. A autora aconselha ouvir o disco sem ler o press release nem olhar para a capa. Ela lembra que os vídeos e os espetáculos dos Shortparis pareciam, em certas ocasiões, antecipar acontecimentos futuros, e liga o título do álbum ao renovado interesse por Homero. Na opinião dela, a letra da faixa-título e a música «Adeus» encaixam-se no mesmo padrão. «Adeus» é a única faixa creditada apenas a Komiagin, sem a banda.
O press release cita Tchernichevski sobre uma «canção pequena, ousada e animada»: nos concertos, Komiagin lia essa passagem em voz alta para acalmar o público. O álbum soa muito variado: riffs de guitarra sujos, canções elegantes em francês e um som brilhante, quase de ópera rock ou de musical, em que temas trágicos e assustadores ganham dimensão épica. Há também um coro gospel e metais.
A autora recorda que o obituário de Komiagin na Afisha citava as palavras dele: o próximo álbum seria um trabalho notável. O que importa é que a «Ilíada» era um lançamento planeado e não uma compilação póstuma, e para a autora isso responde de forma significativa à pergunta sobre se vale a pena cantar.
Não ouvi o álbum inteiro, por isso não me arrisco a avaliar o som. Mas a forma como se fala dele faz-me querer colocar o disco na minha lista de escuta, nem que seja por causa de «Adeus».
Fonte: Afisha Daily
Hoje assinala-se 20 anos da morte de Marek Grechuta, e a Interia Muzyka recordou a sua história. Quero resumir esse texto, porque mostra o artista por um lado menos conhecido.
Grechuta morreu a 9 de outubro de 2006, em Cracóvia, aos 60 anos, de insuficiência cardíaca. Foi sepultado na Alameda dos Merecedores do cemitério de Rakowicki. A sua música juntava a poesia à canção, ao jazz, ao rock e aos instrumentos clássicos. Entre as canções mais conhecidas estão «Dni, których nie znamy», «Niepewność», «Będziesz moją panią» e «Wiosna, ach to ty».
Mudou-se de Zamość para Cracóvia para estudar arquitetura. Em 1966 fundou, com Jan Kanty Pawluśkiewicz, o cabaré de estudantes de arquitetura Anawa, que mais tarde se tornou o seu grupo. O álbum de estreia, de 1970, «Marek Grechuta & Anawa», incluía «Nie dokazuj», «Niepewność» e «Będziesz moją panią». Com o grupo WIEM («W Innej Epoce Muzycznej») explorou o jazz nos discos «Droga za widnokres» e «Magia obłoków».
A maior atenção foi para a sua doença. Grechuta sofria de perturbação bipolar, e os períodos difíceis afetavam o seu trabalho e as suas atuações. Por vezes interrompia ou cancelava concertos e esquecia as letras. Alguns atribuíam a culpa ao álcool, mas os familiares negavam. No livro de Marta Sztokfisz «Chwile, których nie znamy», Magda Umer descreve como era difícil trabalhar com ele nas fases más, e a única pessoa que suportava as suas angústias era a mulher, Danuta, com quem casou em 1970. Kora recorda o stress das digressões e a sensibilidade dele às críticas.
Em 2006, pouco antes de morrer, recebeu o Grande Prémio pelo conjunto da obra no festival de Opole. Para mim, esta história muda a forma como ouço as suas canções: por baixo da calma havia muito mais.
Fonte: Interia Muzyka
O videoclipe da nova música do RADWIMPS, 「夕星-ゆうづつ-」, foi lançado. Segundo uma reportagem da BARKS, a canção é o tema do filme 『汝、星のごとく』, e o clipe saiu no mesmo dia da estreia do filme. A música foi lançada digitalmente à meia-noite de 2 de outubro.
O clipe foi dirigido por Michihito Fujii, que também dirigiu o filme. Foi gravado em Imabari, na província de Ehime, cenário do filme, na enseada onde os protagonistas Kai Aono e Akatsuki Inoue passam tempo juntos. Mistura cenas da banda tocando com cenas do filme. As cenas da apresentação foram filmadas no dia do festival de fogos de artifício Onmaku, realizado em Imabari em agosto de 2026, e, segundo consta, a banda tocou com fogos de verdade ao fundo.
A obra original é o romance 『汝、星のごとく』, de Yu Nagira. O filme tem Ryusei Yokohama e Suzu Hirose como protagonistas, roteiro de Naoko Adachi e música de Kō Omama. Retrata o amor e o destino de duas pessoas ao longo de 15 anos nas ilhas do Mar Interior de Seto. Yojiro Noda comentou: "Você mesmo pode decidir a sua própria felicidade" e disse que a obra lhe deu esperança.
O que me deixa curioso é a primeira apresentação na TV. O RADWIMPS vai aparecer no Music Station, da TV Asahi, na sexta-feira, 16 de outubro, das 21h às 21h54, onde pretende tocar 「夕星-ゆうづつ-」 pela primeira vez na televisão.
Fico animado para ver como a apresentação sob fogos de verdade e uma música tão ligada ao final do filme vão repercutir. Por enquanto, vou assistir ao clipe e esperar o dia do Music Station.
Fonte: BARKS
Uma declaração de Thom Yorke está circulando, e achei curiosamente reconfortante: até as pessoas por trás de um clássico podem ficar cansadas dele. Segundo a NME, em uma longa conversa com Harry Styles para a Rolling Stone, Yorke disse que já estava farto de OK Computer, o álbum do Radiohead de 1997, antes mesmo de ele ser lançado.
O raciocínio é simples. A banda tinha tocado tanto as músicas antes do lançamento que ele sentiu que precisava seguir em frente. Quando o empresário disse que eles teriam que fazer uma turnê de dois anos para promover o disco, Yorke diz que implorou para não ter que fazer isso. A turnê rodou de maio de 1997 a abril de 1998, com mais de cem shows. "Dois anos depois, ainda estávamos na estrada", disse ele, descrevendo a situação como realmente desastrosa.
Ele também lembrou de um show em novembro de 1997, em Birmingham, quando saiu do passagem de som, perdeu seus seguranças e se escondeu em um trem, o que ele descreve como o mais perto que chegou de tentar fugir. A NME observa que o baixista Colin Greenwood chamou aquela turnê de o pior momento da banda em 2003, em parte pelo desgaste que causou em Yorke.
Há também um fio mais recente. O Radiohead anunciou seu retorno aos palcos em setembro de 2025, seus primeiros shows em mais de sete anos, e tocou 20 datas em arenas por Madri, Bolonha, Londres, Copenhague e Berlim em novembro e dezembro. Yorke contou a Styles que a turnê de reunião provocou uma enorme queda em sua autoconfiança, da qual levou meses para se recuperar. No início deste ano, Styles lhe entregou um Ivor Novello Fellowship, e Yorke apresentou ali uma nova música chamada "Space Walk".
Para contexto: OK Computer tem certificação de cinco discos de platina no Reino Unido e vendeu mais de 4,5 milhões de cópias, com "Paranoid Android" e "No Surprises" entre seus singles mais conhecidos. O que tiro disso é que um disco pode ser uma obra-prima para quem ouve e um sacrifício para quem o fez, e as duas coisas podem ser verdade ao mesmo tempo.
Fonte: NME
Li na Infobae uma coluna pessoal de Guillermo E. Pintos, escrita depois de ele saber da morte do cantor e compositor ítalo-argentino Piero. Achei uma forma muito bonita de se despedir de um artista: contando o que a música dele significou numa casa qualquer.
Pintos lembra da infância nos arredores de Olavarría, em meados dos anos 1970 e início dos 1980, quando o rádio e a vitrola tocavam o dia inteiro e eram sua porta de entrada para músicas novas. Ele menciona Ricardo Soulé e Vox Dei, e o disco «Cuero caliente», que a família trouxe de La Plata para o irmão dele. Seu pai, Víctor Pintos, apresentava aos domingos um programa esportivo na rádio local LU 32 e, a cada Dia dos Pais, abria o programa com «Mi viejo» e lia um texto escrito para o próprio pai.
Para o autor, a canção expressa o carinho entre dois homens de poucas palavras que nunca souberam se aproximar nem dizer o que sentiam. Ele também lembra da dupla de Piero com o jornalista e escritor José Tcherkaski, que escrevia as letras com observação social e personagens do cotidiano, enquanto Piero cuidava da música e da interpretação. Dessa parceria saíram «Mi viejo», «Pedro Nadie», «Juan Boliche», «Para el pueblo lo que es del pueblo» e «Un hombre común».
A coluna conta ainda que Rubén Blades, quando estudava Direito no Panamá, disse que Piero foi o primeiro artista que ele viu levar a balada para um formato urbano com enredo social, e que anos depois Blades compôs «Pablo Pueblo». Sobre «Juan Boliche», Pintos observa que o bar é o único lugar onde o personagem existe socialmente, e que o nome próprio fundido ao nome do lugar o transforma em parte da paisagem. Ele lembra também de Mercedes Sosa cantando «Soy pan, soy paz, soy más» no Teatro Ópera, em fevereiro de 1982, ainda sob a ditadura, como um gesto de cura coletiva.
A coluna termina com «Buen viaje, tano». Para mim, fica a ideia de que uma canção curta pode guardar décadas de afeto.
Fonte: Infobae
É bom saber que Claudio Baglioni está voltando aos shows ao vivo. Em um encontro relatado pela ANSA, o cantor e compositor explicou que, quando adoeceu alguns meses atrás, temeu nunca mais subir em um palco. Ele descreve o retorno como um recomeço e diz que é no palco que ele se esconde melhor.
Por causa da parada forçada, sua turnê GrandTour «La Vita è adesso» foi adiada para o verão de 2027. Antes, porém, virá «Che notte è questa!», sete shows na Piazza di Siena, na Villa Borghese, em Roma: nos dias 24, 25, 27, 28 e de 30 a 31 de outubro, além de 1º de novembro.
O local não é por acaso. Em 24 de outubro de 1982, Baglioni tocou justamente na Piazza di Siena com «Alé-oò», um dos primeiros grandes shows ao ar livre da Itália, com cerca de 250 mil pessoas. Ele lembra daquilo como uma virada, tanto que, poucos dias depois, cortou o cabelo para encerrar uma época. Quarenta e quatro anos depois, ele volta ali.
A despedida está marcada para 23 de outubro de 2027, nos Fori Imperiali, no fim de uma turnê de cerca de 50 shows por toda a Itália. Baglioni deixa claro que pode não ser sua última apresentação ao vivo, mas será a última desse tipo, e ele não quer uma noite de pura celebração. Ele também relembra todos os lugares de Roma onde tocou, de estádios ao Foro Itálico, do auditório da sua universidade ao Vaticano, do Coliseu a prisões e ao Quirinal: os únicos que faltam, diz ele, são os pátios. Aos 75 anos, sonha em tocar um dia em Centocelle, seu antigo bairro.
Gosto da sinceridade dessas palavras. No Capitólio, recebido pelo prefeito Gualtieri, houve até espaço para ironia: perguntado sobre voltar a dirigir o Festival de Sanremo, Baglioni brincou que seria melhor ser prefeito por um dia.
Fonte: ANSA
O grupo sul-coreano BIGBANG virou assunto no meio musical com o retorno a Taiwan depois de 11 anos. Segundo a agência Central News Agency, a banda realiza três noites seguidas do show «XX : COSMOS» no Taipei Dome a partir de 9 de outubro, e só na primeira noite cerca de 40 mil fãs compareceram. A última passagem por Taiwan foi em 2015, com o show «MADE» no Taipei Arena.
Atualmente o grupo atua como trio, com TOP, G-Dragon (GD, Kwon Ji-yong) e Daesung, mas desta vez subiram ao palco como grupo completo. O superastro do mandopop Jay Chou enviou uma cesta de flores para cumprimentá-los. O primeiro show começou com «FANTASTIC BABY», o grande sucesso com 670 milhões de visualizações no YouTube, seguido de «HANDS UP», «TONIGHT», «BLUE» e «LOSER». Durante «TONIGHT», GD recriou o clássico momento de quebrar a guitarra, e o público foi à loucura.
Os três integrantes também se esforçaram para interagir com os fãs taiwaneses. GD cumprimentou em chinês, apresentando-se como «Irmão Dragão», Daesung se apresentou em chinês e disse que sentia falta dos fãs, e TOP gritou seu carinho em taiwanês. TOP também revelou que Taipei é a primeira parada asiática da turnê, que chegou na noite anterior, comeu macarrão com carne bovina e bolos de abacaxi, e elogiou os fãs pelo calor e pela paixão.
Cada membro teve ainda um momento solo. Ao descer do palco, TOP escorregou e caiu dois degraus, mas logo segurou o corrimão e não chegou a cair. Depois desceu até a plateia, deu as mãos aos fãs e cantou com eles, surpreendendo e encantando a todos.
Apesar dos 11 anos de ausência, acredito que 40 mil pessoas cantando juntas não se deve só às músicas antigas, mas também à sinceridade desses integrantes, que quiseram falar a língua do público. Ainda restam duas noites, então, se você está pensando em ir, vale a pena conferir.
Fonte: Central News Agency
Esperava há algum tempo pelo primeiro álbum de Iolanda, e “Quebranto” saiu mesmo a 8 de outubro. Treze faixas, já nas plataformas digitais, com singles como “Olha P’ra Ela”, “Responso” e “Noite Inteira”.
O que me interessa no disco é o regresso às raízes do Centro do país sem virar peça de museu. A palavra “quebranto” — o mau-olhado, o estado em que se fica depois de alguém o lançar — vem da aldeia onde cresceu. A própria diz que o álbum começa com alguém a tirar-lhe o quebranto e, depois da reza, desvenda o que estava por baixo: traumas, medos, decisões, desgostos.
Musicalmente, a viola braguesa atravessa quase tudo e encontra cavaquinhos, cordas, acordeão, sintetizadores e programações. Abre com a voz da Avó Lena sobre guitarra e braguesa. Produção de Luar, com Iolanda na coprodução; na escrita aparecem nomes como Carolina Deslandes, Agir, LEFT., Milhanas, Extrazen e xtinto.
A apresentação ao vivo está marcada para 7 de dezembro no Coliseu dos Recreios, em formato 360º, com o público à volta. Para mim, é exatamente o tipo de disco português que quero ouvir neste outono: bucólico, melancólico e atual ao mesmo tempo.
Fonte: Rádio Comercial
