Aquí hay una noticia que me parece muy interesante: Dongker se ha asociado con Inner Sight Games para crear "Dongker vs The Ratocrats", un juego de acción y aventura con elementos roguelite, cuya música está adaptada del álbum "Melankolia Radikal".
El juego se desarrolla en Ratpublic, un país ficticio gobernado por políticos ratas, robots de seguridad y goblins burocráticos. El personaje principal es Dollar, la mascota de Dongker, que puede transformarse en un robot gigante, un "mecha", para luchar contra el régimen corrupto y destruir los símbolos del poder. Además de la acción, el juego también es una sátira política.
Los tres miembros de Dongker, Delpi, Arno y Dzikrie, son opciones de personajes jugables, cada uno con un estilo de lucha diferente: el guitarrista se basa en ataques rápidos y un escudo de energía, el vocalista utiliza ondas de choque y mordiscos, mientras que el batería tiene golpes poderosos y ataques de taladro. Los jugadores explorarán distritos, zonas gubernamentales y edificios políticos emblemáticos de Ratpublic, enfrentándose a unidades antidisturbios, máquinas de vigilancia e incluso goblins burocráticos.
Una de las partes más interesantes es la música: las canciones de "Melankolia Radikal" se han transformado en pistas instrumentales que acompañan las batallas. El álbum, que consta de 11 canciones, fue lanzado por Greedy Dust Records el 28 de agosto de 2026, e incluye temas como "Takbir Terdengar Kejam", "Lautan Bunga Warna Terang" y "Lagu Selepas Hujan".
Esta no es la primera colaboración entre ambos. Anteriormente, lanzaron "Dongker Beats", un juego de ritmo de estilo 8-bit para dispositivos móviles. "Dongker vs The Ratocrats" está actualmente en desarrollo para PC a través de Steam, y la fecha de lanzamiento aún no se ha anunciado. Las últimas noticias se compartirán a través de las cuentas oficiales de Instagram de Dongker e Inner Sight Games.
Fuente: Pophariini.
Llevo más de quince años enseñando guitarra y hay una pregunta que me hacen una y otra vez: ¿cómo empiezo desde cero? Es normal sentirse perdido ante algo tan grande. La segunda duda, casi siempre, es si son demasiado mayores para empezar. Y mi respuesta es un no rotundo: nunca es tarde, el mejor momento es aquel en el que puedas empezar y, sobre todo, disfrutarlo.
Lo primero es hacerse con una guitarra, y no hay que complicarse: sirve una prestada, de segunda mano o nueva. Yo empecé con una guitarra española medio rota que un primo encontró abandonada en una obra. Si tocas guitarra eléctrica, un amplificador o unos auriculares con multiefectos ayudan, pero no es imprescindible el primer día.
Después necesitas una guía: un profesor particular, un curso online, vídeos de YouTube o una escuela del barrio. Cada opción tiene sus pros y sus contras, y lo normal es ir alternando. Lo importante es tener un camino y no abandonar. Aprender se logra sumando pequeños logros: un acorde que hoy suena mejor que ayer, un cambio que empieza a salir sin pensar.
Mi consejo final: disfruta del proceso. La música es lo más importante, no la velocidad. Si estás dudando, lánzate, porque tocar un instrumento es una experiencia vital que no se olvida.
Fuente: David García
3voor12 eligió a Fat Dog como álbum de la semana, y tras leer la reseña de Seth de Wildt, siento bastante curiosidad. Se trata del segundo álbum de la banda londinense: Cancel Me (I'm Tired).
El grupo, de cinco integrantes, se formó durante la época de la covid en el sur de Londres, como reacción a las bandas que se tomaban demasiado en serio. Sus conciertos son conocidos por ser extremadamente enérgicos y caóticos, y el grupo ya tenía estatus de culto antes de publicar música oficial. El debut de 2024, WOOF., es descrito por la crítica como intransigente e intenso.
En el nuevo disco la intensidad sigue ahí, aunque también hay momentos más calmados. El título combina el agotamiento de las giras interminables con la cultura de la cancelación: si te cancelan, al menos puedes descansar un rato. La música mezcla new wave, dance, punk e indie.
La reseña destaca algunas canciones. «Smile and Wave» arranca como un punk sólido y bastante divertido. La canción título es un synthpop que recuerda a los noventa y resulta más bailable. «Shit love» le recuerda a la crítica la introducción de una serie juvenil estadounidense mal doblada. «Heart of Darkness» es un indie accesible con una melodía pegadiza y el cantante Joe Love en primer plano, y el cierre, «Aliens», empieza pequeño y va creciendo.
La crítica llama al álbum una «raza de cubo de basura que va en todas direcciones», distinta a su trabajo anterior, pero con un humor reconocible. Suena a un disco que quiero escuchar a todo volumen antes de opinar, y la descripción por sí sola me entusiasma.
Fuente: 3voor12
Acaba de dictarse sentencia en un caso de fraude poco común en la industria musical, y creo que vale la pena contarlo. Según VnExpress, Michael Smith, de 54 años y residente en Carolina del Norte (Estados Unidos), fue condenado a 18 meses de prisión, dos años de libertad vigilada y a pagar más de 8 millones de dólares en multas por engañar a plataformas de música en línea para apropiarse de derechos de autor.
El fiscal Jamie McDonald, de la Fiscalía del Distrito Sur de Nueva York, declaró que Smith aprovechó la IA para cometer el fraude. El FBI lo arrestó en septiembre de 2025, y él se declaró culpable en marzo de este año. Los hechos ocurrieron entre 2017 y 2024 en tres pasos: crear miles de cuentas bot en Spotify, YouTube Music, Apple Music y Amazon Music; usar esas cuentas para reproducir sin pausa canciones generadas por IA que él afirmaba haber escrito; y cobrar regalías basadas en escuchas falsas.
Hay una cifra que llamó mi atención. Según Tom's Hardware, en abril de 2023 las cuentas bot de Smith reprodujeron 80,9 millones de veces música de IA a través de planes familiares, mientras que todo el catálogo de Taylor Swift alcanzó solo 9,3 millones de reproducciones en YouTube Music con planes familiares en ese mismo periodo. Para no ser detectado, repartió las reproducciones entre miles de canciones, de modo que ninguna mostrara cifras de escucha inusuales, y llegó a operar hasta 10.000 cuentas bot al mismo tiempo.
El artículo también cita un comentario en X que sostiene que Smith usó la IA para crear tanto la música como el público, y que ganó millones de dólares con canciones que en realidad nadie escuchaba. Para mí, esta historia recuerda que los artistas y la industria musical tendrán que distinguir cada vez más entre oyentes reales y oyentes falsos.
Fuente: VnExpress
Afisha Daily escribió sobre el nuevo álbum de Shortparis, «Ilíada», pero el texto de la autora, que se describe en la redacción como la mayor fan de la banda, se leyó como una carta personal. Quiero compartir lo principal.
El álbum se grabó con Nikolái Komiagin, que murió el 20 de febrero de 2026. La autora aconseja escuchar el disco sin leer el comunicado de prensa ni mirar la portada. Recuerda que los videoclips y los conciertos de Shortparis parecían anticipar acontecimientos futuros, y relaciona el título del álbum con el interés actual por Homero. En su opinión, la letra de la canción principal y el tema «Despedida» encajan en ese mismo patrón. «Despedida» es el único tema con el nombre de Komiagin como único autor, sin la banda.
El comunicado cita a Chernyshevski sobre una «canción pequeña, audaz y animada»: en los conciertos, Komiagin leía ese pasaje en voz alta para calmar al público. El álbum suena muy variado: riffs de guitarra sucios, canciones elegantes en francés y un sonido brillante, casi de ópera rock o de musical, en el que los temas trágicos y aterradores se vuelven épicos. También aparecen un coro gospel y viento metal.
La autora recuerda que en el obituario de Komiagin publicado en Afisha se citaban sus palabras: el próximo álbum sería una obra excepcional. Lo importante es que «Ilíada» era un lanzamiento planificado, no un recopilatorio póstumo, y para la autora esto responde de forma significativa a la pregunta de si merece la pena cantar.
No he escuchado el álbum completo, así que no me atrevo a juzgar su sonido. Pero la forma en que se habla de él me hace querer añadir el disco a mi lista de escucha, aunque solo sea por «Despedida».
Fuente: Afisha Daily
Hoy se cumplen 20 años de la muerte de Marek Grechuta, y Interia Muzyka ha recordado su historia. Quiero resumir ese texto, porque muestra al artista desde un lado menos conocido.
Grechuta murió el 9 de octubre de 2006 en Cracovia, a los 60 años, por insuficiencia cardíaca. Fue enterrado en la Avenida de los Merecedores del cementerio de Rakowicki. Su música combinaba la poesía con la canción, el jazz, el rock y los instrumentos clásicos. Entre sus canciones más conocidas están «Dni, których nie znamy», «Niepewność», «Będziesz moją panią» y «Wiosna, ach to ty».
Se trasladó a Cracovia desde Zamość para estudiar arquitectura. En 1966 fundó junto a Jan Kanty Pawluśkiewicz el cabaret de estudiantes de arquitectura Anawa, que más tarde se convirtió en su grupo. Su álbum de debut de 1970, «Marek Grechuta & Anawa», incluía «Nie dokazuj», «Niepewność» y «Będziesz moją panią». Con el grupo WIEM («W Innej Epoce Muzycznej») exploró el jazz en los discos «Droga za widnokres» y «Magia obłoków».
La mayor atención se ha dedicado a su enfermedad. Grechuta sufría trastorno bipolar, y los períodos difíciles afectaban su trabajo y sus actuaciones. A veces interrumpía o cancelaba conciertos y olvidaba las letras. Algunos atribuían la causa al alcohol, pero sus allegados lo negaban. En el libro de Marta Sztokfisz «Chwile, których nie znamy», Magda Umer describe lo difícil que era trabajar con él en las malas etapas, y la única persona que soportaba sus angustias era su esposa Danuta, con quien se casó en 1970. Kora recuerda el estrés de las giras y su sensibilidad a la crítica.
En 2006, poco antes de morir, recibió el Gran Premio por su trayectoria en el festival de Opole. Para mí, esta historia cambia la forma de escuchar sus canciones: bajo la calma había mucho más.
Fuente: Interia Muzyka
Se ha publicado el videoclip de «夕星-ゆうづつ-», la nueva canción de RADWIMPS. Según un artículo de BARKS, la canción es el tema de la película 『汝、星のごとく』, y el videoclip salió el mismo día del estreno de la película. La canción se lanzó digitalmente a medianoche del 2 de octubre.
El videoclip está dirigido por Michihito Fujii, que también dirige la película. Se rodó en Imabari, en la prefectura de Ehime, escenario de la película, en la ensenada donde los protagonistas Kai Aono y Akatsuki Inoue pasan tiempo juntos. Combina escenas de la banda tocando con escenas de la película. Las escenas de la actuación se grabaron el día del festival de fuegos artificiales Onmaku de Imabari, celebrado en agosto de 2026, y según se informa, la banda tocó con fuegos artificiales reales de fondo.
La obra original es la novela 『汝、星のごとく』 de Yu Nagira. En la película protagonizan Ryusei Yokohama y Suzu Hirose, el guion es de Naoko Adachi y la música de Kō Omama. Narra el amor y el destino de dos personas a lo largo de 15 años en las islas del mar Interior de Seto. Yojiro Noda comentó: «Uno mismo puede decidir su propia felicidad», y dijo que la obra le dio esperanza.
Lo que más me intriga es su primera actuación en televisión. RADWIMPS aparecerá en Music Station, de TV Asahi, el viernes 16 de octubre de 21:00 a 21:54, donde interpretarán «夕星-ゆうづつ-» por primera vez en televisión.
Me emociona imaginar cómo sonará la banda tocando bajo fuegos artificiales de verdad y una canción tan cercana al final de la película. Por ahora veré el videoclip y esperaré el día de Music Station.
Fuente: BARKS
Circula una cita de Thom Yorke que me resultó curiosamente reconfortante: incluso las personas detrás de un clásico pueden estar hartas de él. NME informa de que, en una larga conversación con Harry Styles para Rolling Stone, Yorke dijo que ya estaba cansado de OK Computer, el álbum de Radiohead de 1997, antes de que saliera.
Su razonamiento es sencillo. La banda había tocado las canciones tantas veces antes de la publicación que sintió la necesidad de seguir adelante. Cuando el mánager les dijo que tendrían que hacer gira durante dos años para promocionarlo, Yorke asegura que suplicó no hacerlo. La gira duró de mayo de 1997 a abril de 1998, con más de cien conciertos. «Dos años después, seguíamos», dijo, calificando la situación de realmente desastrosa.
También recordó un concierto de noviembre de 1997 en Birmingham en el que salió del soundcheck, perdió a su seguridad y se escondió en un tren, lo que describe como lo más cerca que estuvo de intentar escapar. NME señala que el bajista Colin Greenwood calificó esa gira en 2003 como el peor momento de la banda, en parte por el desgaste que supuso para Yorke.
Hay también un hilo más reciente. Radiohead anunció su regreso en directo en septiembre de 2025, sus primeros conciertos en más de siete años, y tocó 20 fechas en pabellones por Madrid, Bolonia, Londres, Copenhague y Berlín en noviembre y diciembre de ese año. Yorke le contó a Styles que la gira de reencuentro provocó un enorme bajón en su autoconfianza, del que tardó meses en recuperarse. A principios de este año, Styles le entregó un Ivor Novello Fellowship, y Yorke estrenó allí una nueva canción llamada «Space Walk».
Para contexto: OK Computer tiene certificación de cinco discos de platino en el Reino Unido y ha vendido más de 4,5 millones de copias, con «Paranoid Android» y «No Surprises» entre sus sencillos más conocidos. Lo que saco en claro es que un disco puede ser una obra maestra para quien lo escucha y un suplicio para quienes lo hicieron, y que ambas cosas pueden ser ciertas a la vez.
Fuente: NME
Leí en Infobae una columna personal de Guillermo E. Pintos, escrita tras enterarse de la muerte del cantautor italoargentino Piero, y me pareció una forma muy bonita de despedir a un artista: contando lo que su música significó en una casa cualquiera.
Pintos recuerda la infancia en las afueras de Olavarría, a mediados de los años 70 y comienzos de los 80, cuando la radio y el tocadiscos sonaban todo el día y eran su puerta a la música nueva. Menciona a Ricardo Soulé y a Vox Dei, y el disco «Cuero caliente» que la familia trajo desde La Plata para su hermano. Su padre, Víctor Pintos, conducía los domingos un espacio deportivo en la radio local LU 32 y, cada Día del Padre, abría el programa con «Mi viejo» y leía un texto escrito para su propio padre.
Para el autor, esa canción expresa el cariño entre dos hombres de pocas palabras que nunca supieron acercarse ni decirse lo que sentían. Recuerda también la dupla con el periodista y escritor José Tcherkaski, que escribía las letras con observación social y personajes cotidianos mientras Piero ponía música e interpretación. De ahí salieron «Mi viejo», «Pedro Nadie», «Juan Boliche», «Para el pueblo lo que es del pueblo» y «Un hombre común».
La columna cuenta además que Rubén Blades, cuando estudiaba Derecho en Panamá, dijo que Piero fue el primer artista que vio llevar la balada a un formato urbano con argumento social, y que años después Blades compuso «Pablo Pueblo». Sobre «Juan Boliche», Pintos observa que el bar es el único lugar donde el personaje existe socialmente, y que el nombre propio fundido con el del lugar lo vuelve parte del paisaje. Evoca también a Mercedes Sosa cantando «Soy pan, soy paz, soy más» en el Teatro Ópera en febrero de 1982, todavía bajo la dictadura, como un acto de sanación colectiva.
Cierra con un «Buen viaje, tano». A mí me queda la idea de que una canción corta puede guardar décadas de afecto.
Fuente: Infobae
Es una buena noticia que Claudio Baglioni vuelva a actuar en directo. En un encuentro recogido por ANSA, el cantautor explicó que, cuando enfermó hace unos meses, temió no volver a subirse nunca a un escenario. Describe su regreso como un nuevo comienzo y dice que el escenario es el lugar donde mejor se esconde.
A causa de la parada forzada, su gira GrandTour «La Vita è adesso» se ha aplazado al verano de 2027. Antes, sin embargo, llegará «Che notte è questa!», siete conciertos en la Piazza di Siena, en la Villa Borghese de Roma: los días 24, 25, 27 y 28 de octubre, del 30 al 31 de octubre y el 1 de noviembre.
El lugar no es casual. El 24 de octubre de 1982, Baglioni tocó precisamente en la Piazza di Siena con «Alé-oò», uno de los primeros grandes conciertos al aire libre de Italia, con unas 250 000 personas. Él lo recuerda como un punto de inflexión, tanto que unos días después se cortó el pelo para cerrar una época. Cuarenta y cuatro años después, vuelve allí.
La despedida está fijada para el 23 de octubre de 2027 en los Fori Imperiali, al final de una gira de unos 50 conciertos por toda Italia. Baglioni precisa que podría no ser su última vez en directo, pero sí será la última de ese tipo, y no quiere una noche de pura celebración. También recuerda los lugares de Roma donde ha actuado, desde estadios hasta el Foro Itálico, desde el aula magna de su universidad hasta el Vaticano, desde el Coliseo hasta cárceles y el Quirinal: los únicos que le faltan, dice, son los patios. A sus 75 años, sueña con tocar algún día en Centocelle, su antiguo barrio.
Me gusta la sinceridad de estas palabras. En el Campidoglio, recibido por el alcalde Gualtieri, hubo también espacio para la ironía: al preguntarle por volver a dirigir Sanremo, Baglioni bromeó diciendo que sería mejor ser alcalde por un día.
Fuente: ANSA
El grupo surcoreano BIGBANG se ha convertido en tema de conversación en la escena musical con su regreso a Taiwán tras 11 años. Según la agencia Central News Agency, desde el 9 de octubre el grupo ofrece tres noches seguidas del concierto «XX : COSMOS» en el Taipei Dome, y solo la primera noche reunió a unos 40.000 fans. Su última visita a Taiwán fue en 2015, con el concierto «MADE» en el Taipei Arena.
Actualmente el grupo actúa como trío formado por TOP, G-Dragon (GD, Kwon Ji-yong) y Daesung, pero esta vez subieron al escenario como grupo completo. La estrella del mandopop Jay Chou les envió una cesta de flores como felicitación. El primer show comenzó con «FANTASTIC BABY», su gran éxito con 670 millones de visualizaciones en YouTube, y continuó con «HANDS UP», «TONIGHT», «BLUE» y «LOSER». Durante «TONIGHT», GD recreó el famoso momento de romper la guitarra, y el público estalló.
Los tres miembros también se esforzaron por conectar con los fans taiwaneses. GD saludó en chino y se presentó como «Hermano Dragón», Daesung se presentó en chino y dijo que había extrañado a los fans, y TOP expresó su cariño en taiwanés. TOP reveló además que Taipéi es la primera parada asiática de esta gira, que llegó la noche anterior y que comió fideos de ternera y pasteles de piña, y elogió el calor y la pasión de los fans.
Cada miembro tuvo también un escenario en solitario. Cuando TOP bajaba del escenario resbaló y cayó dos escalones, pero agarró rápidamente el pasamanos y no llegó a caerse. Después bajó hasta el público, se tomó de la mano de los fans y cantó con ellos, sorprendiéndolos y alegrándolos.
Pese a los 11 años de ausencia, creo que el hecho de que 40.000 personas canten juntas no se debe solo a las canciones de antaño, sino también a la sinceridad de unos miembros dispuestos a hablar en el idioma de su público. Quedan dos noches, así que si estás pensando en ir, merece la pena.
Fuente: Central News Agency
Llevaba tiempo esperando el primer álbum de Iolanda, y «Quebranto» salió por fin el 8 de octubre. Trece canciones, ya en las plataformas digitales, con sencillos como «Olha P’ra Ela», «Responso» y «Noite Inteira».
Lo que me interesa del disco es la vuelta a las raíces del centro de Portugal sin convertirse en pieza de museo. La palabra «quebranto» —el mal de ojo, el estado en que uno queda después de que alguien se lo eche— viene de la aldea donde creció. Ella misma dice que el álbum empieza con alguien quitándole el quebranto y que, después del rezo, desvela lo que había debajo: traumas, miedos, decisiones, desengaños.
Musicalmente, la viola braguesa atraviesa casi todo y se encuentra con cavaquinhos, cuerdas, acordeón, sintetizadores y programaciones. Arranca con la voz de la Avó Lena sobre guitarra y braguesa. Producción de Luar, con Iolanda en la coproducción; en la composición aparecen nombres como Carolina Deslandes, Agir, LEFT., Milhanas, Extrazen y xtinto.
La presentación en directo está prevista para el 7 de diciembre en el Coliseu dos Recreios, en formato 360º, con el público alrededor. Para mí, es exactamente el tipo de disco portugués que quiero escuchar este otoño: bucólico, melancólico y actual a la vez.
Fuente: Rádio Comercial
