Tôi bắt đầu đến với in lụa trên vải từ vài tháng trước và đã đọc ngấu nghiến một bài viết rất dễ hiểu, giúp tôi cuối cùng cũng nắm được kỹ thuật này. Nguyên lý rất đơn giản: mực được truyền qua một khuôn in căng trên khung, nhưng đằng sau vẻ đơn giản ấy là cả một tay nghề thực thụ.
Để bắt đầu, bạn cần một khung lưới mịn, keo cảm quang, một dao gạt mực và mực in vải. Màn lụa được chiếu tia UV qua một tấm phim, rửa sạch, và hình mẫu hiện ra dưới dạng âm bản. Chính công đoạn phơi sáng này đòi hỏi sự tỉ mỉ nhất.
Điều tôi thích ở kỹ thuật này là thành phẩm: màu sắc đậm và phủ tốt, ngay cả trên vải tối màu, cùng độ bền mà in kỹ thuật số không sánh được. Ngược lại, nó kém phù hợp với những lô rất nhỏ vì tốn thời gian chuẩn bị.
Lời khuyên của tôi để bắt đầu mà không tốn kém: một bộ dụng cụ cơ bản có giá khoảng 150–400 €, thậm chí có thể phơi sáng bằng ánh nắng mặt trời với chi phí gần như bằng không. Học qua các khóa học trực tuyến cũng giúp ích rất nhiều để tránh những sai lầm tốn kém.
Nguồn: Pickles Graphic
Đến ngày 6 tháng 12 năm 2026, Bảo tàng Nghệ thuật Ota Memorial ở Harajuku, Tokyo đang tổ chức triển lãm “Katsushika Oi: ‘Nội thất nhà Yoshiwara’ và dòng dõi các cảnh đêm”. Đợt đầu kéo dài đến ngày 3 tháng 11, đợt sau bắt đầu từ ngày 7 tháng 11. Ngoại trừ “Nội thất nhà Yoshiwara”, toàn bộ tác phẩm được thay đổi giữa hai đợt.
Tâm điểm là bức tranh vẽ tay “Nội thất nhà Yoshiwara” của Katsushika Oi. Trên thế giới chỉ biết đến khoảng mười mấy bức tranh của Oi, và kiệt tác này được trưng bày lần đầu sau ba năm. Điểm nổi bật của tác phẩm là sự tương phản giữa sáng và tối.
Điểm nhấn khác là phần trưng bày theo dòng chảy các cảnh đêm trong ukiyo-e, gồm các tác phẩm về đêm đầy sao, pháo hoa và đêm mưa, như “Những cảnh đẹp nổi tiếng của Edo: cảnh đêm ở Saruwaka-chō” của Utagawa Hiroshige, “Tokyo thời văn minh: cầu Ryōgoku” của Kobayashi Kiyochika, cùng các tác phẩm của Torii Kiyonaga và Utagawa Kunisada. Bầu trời đêm xanh thẫm của Hiroshige và cảnh đêm đô thị của Kiyochika thời Minh Trị sơ kỳ là một cặp tôi rất muốn xem cạnh nhau.
Ngoài ra còn giới thiệu các bản in cảnh đêm được làm vào cuối thời Minh Trị cho thị trường nước ngoài, bao gồm bản sao và tác phẩm tôn vinh dựa trên tranh của Hiroshige và Kiyochika, đồng thời chú ý đến các nhà xuất bản Hasegawa Takejirō và Watanabe Shōzaburō.
Trong tranh khắc gỗ, “đêm” thay đổi rất nhiều tùy theo cách chồng mực sumi và chàm. Tôi nghĩ người quan tâm đến in ấn sẽ thích thú hơn nữa. Vé người lớn giá 1.200 yên, chỉ nhận tiền mặt.
Nguồn: Bảo tàng Nghệ thuật Ota Memorial
Nếu bạn ở gần Newcastle upon Tyne vào mùa thu này, Lino North rất đáng ghé thăm. Triển lãm diễn ra tại The Biscuit Factory (16 Stoddart Street) từ ngày 11 tháng 9 đến 29 tháng 11 năm 2026, mở cửa hằng ngày từ 10:00 đến 17:00, vào cửa miễn phí.
Triển lãm tập hợp mười sáu nghệ sĩ khắc linô từ miền Bắc nước Anh, xứ Wales và Scotland: Ade Adesina, Bryan Angus, Laura Boswell, Linda Farquarson, Graham Firth, Eric Gaskell, Fiona Humphrey, Karen Menarry, Joshua Miles, Ingrid Nilsson, Babs Pease, Ian Phillips, Rosanna Reade, Masha Tiplady, Jane Walker và Deb Wing.
Triển lãm tập trung vào quy trình vật lý của kỹ thuật này: khắc, lăn mực và in. Một số nghệ sĩ làm theo phương pháp “giảm dần”, tức khắc và in một khối duy nhất qua nhiều giai đoạn. Những người khác chồng nhiều khối lên nhau để tạo màu sắc và cấu trúc. Xem song song hai cách làm này giúp hiểu vì sao hai bản khắc linô có thể trông khác nhau đến vậy.
Triển lãm nằm trong mối quan tâm lâu dài của phòng tranh đối với nghệ thuật in và các thực hành lấy vật liệu làm trung tâm. Trong thời gian trưng bày, các nghệ sĩ sẽ có buổi nói chuyện và trình diễn về phương pháp của mình. Tôi đặc biệt muốn tham dự một buổi như vậy, vì cách mọi người giải thích lựa chọn khi khắc thường là phần hữu ích nhất cho người đang học.
Nguồn: ArtRabbit
Triển lãm in ấn Print Parade #4 diễn ra tại Kiniko Art, ở Tirtonirmolo, Kasihan, Bantul, DIY, từ ngày 12 đến 27 tháng 9 năm 2026. Năm nay triển lãm trưng bày tác phẩm của nghệ sĩ đã quá cố Danang Hadi, các thành viên và cựu thành viên của Studio Grafis Minggiran, cùng một số nghệ sĩ in ấn được mời. Nghệ sĩ Ong Harry Wahyu sẽ khai mạc triển lãm vào ngày 12 tháng 9.
Người phụ trách tuyển chọn Bambang ‘Toko’ Witjaksono giải thích rằng Print Parade không chỉ là nơi trưng bày tác phẩm, mà còn là không gian để tưởng nhớ, suy ngẫm về hành trình đã qua, chia sẻ kinh nghiệm và mở ra đối thoại giữa các thế hệ nghệ sĩ in ấn. Chủ đề năm nay là «Kết nối hành trình và sự tái sinh của nghệ thuật đồ họa Indonesia». Print Parade lần đầu được tổ chức vào năm 2013.
Các tác phẩm của thực tập sinh Studio Grafis Minggiran giai đoạn 2023–2026 cũng được trưng bày. Studio, thành lập năm 2001, được cho là đã giữ nghệ thuật đồ họa sống động như một thực hành không ngừng phát triển.
Với tôi, phần xúc động nhất là cách triển lãm đặt các tác phẩm của người nghệ sĩ đã khuất cạnh thế hệ trẻ. In ấn cần những đôi tay mới để quy trình không dừng lại ở kho lưu trữ.
Nguồn: DISTORI
Sau hai năm đóng cửa để thi công, Bảo tàng Goya thuộc Quỹ Ibercaja ở Zaragoza mở cửa trở lại đúng dịp lễ hội Pilar. Điều khiến tôi quan tâm nhất là những gì được nói về tranh khắc, bởi với nhiều người, Goya là bậc thầy vĩ đại của nghệ thuật khắc axit ở Tây Ban Nha.
Theo thông tin công bố, đợt cải tạo tăng diện tích trưng bày từ 3.700 lên 4.660 mét vuông và bổ sung bảy trải nghiệm công nghệ, như một phòng đắm chìm và kính thực tế ảo. Giám đốc Mai Forcén khẳng định đây không phải bảo tàng công nghệ: công nghệ chỉ đồng hành và cung cấp bối cảnh. Ngay cả mặt tiền cũng được khắc các chi tiết từ tác phẩm của họa sĩ.
Với người theo dõi nghệ thuật in ấn, bảo tàng có phòng tranh khắc và phòng bản in được cải tạo. Nhờ mở rộng, nay có thể xem "Bản sao của Velázquez" do Goya thực hiện từ năm 1778 đến 1785, cùng một loạt khác chưa từng được trưng bày. Với toàn bộ loạt tranh khắc và 33 tác phẩm của Goya, bảo tàng này sau Prado là nơi trưng bày nhiều tác phẩm của họa sĩ xứ Aragon nhất.
Để mừng ngày mở cửa trở lại, quỹ đã tập hợp gần năm mươi tác phẩm của Goya từ các bảo tàng và bộ sưu tập trên thế giới cho triển lãm "Solo Goya. El Arte de ver", do Luis Fernández-Galiano làm giám tuyển. Triển lãm mở đến ngày 10 tháng 1. Bảo tàng cũng bổ sung vào bộ sưu tập các bảng vẽ của Sorolla và một bức tranh lụa lớn của Roberto Fabelo.
Về cá nhân, điều hấp dẫn tôi nhất là được xem tranh khắc trong một căn phòng dành riêng cho chúng, không vội vã, trước dịp kỷ niệm 200 năm ngày sinh Goya vào năm 2028.
Nguồn: EL PAÍS
Tại Galerie Henze & Ketterer ở Wichtrach, gần Bern, có một triển lãm kéo dài đến ngày 30 tháng 10 năm 2026. Là người yêu tranh khắc gỗ, tôi lập tức tò mò. Trên tầng trên của phòng tranh, các bản khắc gỗ của Georg Baselitz và Ernst Ludwig Kirchner được đặt đối diện nhau.
Ở trung tâm là sáu bản khắc gỗ khổ lớn phối lại của Baselitz, diễn giải lại những hình ảnh anh hùng trong giai đoạn đầu của ông. Đối diện là các bản khắc gỗ tiêu biểu của Kirchner từ mọi giai đoạn sáng tác. Qua đó có thể thấy hai nghệ sĩ làm việc với sự lặp lại và tái diễn đạt như thế nào, và hai thế hệ lịch sử mỹ thuật Đức đã tạo ra sức mạnh thị giác vượt thời gian theo cách riêng ra sao.
Điều tôi thấy thú vị nhất là cuốn catalogue trực tuyến đi kèm ghép từng bản khắc gỗ được trưng bày với bức tranh tương ứng của nó. Với tranh khắc gỗ, nơi một chủ đề có thể tồn tại qua nhiều phiên bản, việc so sánh bản in với bức tranh rất đáng để xem.
Phòng tranh nằm ở Kirchstrasse 26 tại Wichtrach, mở cửa từ thứ Ba đến thứ Sáu, 14 giờ 30 đến 17 giờ 30, hoặc theo lịch hẹn. Triển lãm đã mở từ ngày 1 tháng 5 năm 2025, nên chỉ còn vài tuần nữa.
Nguồn: Interlaken Tourismus (Nguồn: guidle.com)
Bảo tàng Lịch sử địa phương Tver vừa nhận được món quà gồm 34 bản tranh khắc về Chiến tranh Vệ quốc năm 1812 và các cuộc chiến tranh Napoléon. Thông tin này do bộ phận báo chí của chính quyền vùng Tver công bố. Tôi nghĩ đây là tin vui cho bất kỳ ai quan tâm đến tranh in cổ.
Người tặng là Mikhail Karisalov, một nhà công nghiệp, nhà sưu tầm và nhà bảo trợ. Ông đã sưu tầm tranh khắc và tranh in thạch bản về cuộc chiến giữa Nga và Napoléon trong nhiều năm, và quyết định trao bộ sưu tập cho bảo tàng vì vùng đất này có mối liên hệ lịch sử với các sự kiện năm 1812. Việc chọn tài liệu có sự giúp đỡ của Aleksandr Avdeev, cựu Bộ trưởng Văn hóa Nga và từng là đại sứ tại Pháp và Vatican. Theo bản tin, ông sở hữu một trong những bộ sưu tập tư nhân tranh khắc về quan hệ Nga - Pháp tốt nhất.
Các tờ tranh có niên đại từ nửa đầu và giữa thế kỷ 19. Tác giả là những thợ khắc người Pháp, Ba Lan và Nga; trong số các bậc thầy được nhắc tới có François và Jules Couché, Jean Réville, Adolphe-Jean-Baptiste Bayot, Pierre Girardet, Jean-Louis Langlois, Adrien Ladurner và Auguste Ober. Nội dung trải từ cuộc vượt sông Niemen và trận Borodino, qua các trận đánh ở Smolensk, Polotsk, Maloyaroslavets và Pultusk, đến cuộc vượt sông Berezina, cảnh Moskva bốc cháy, cuộc rút lui của quân Pháp, cuộc gặp giữa Alexandre I và Napoléon ở Tilsit và Erfurt, và việc các quân chủ đồng minh tiến vào Paris ngày 31 tháng 3 năm 1814. Bản tin không nêu rõ kỹ thuật được dùng cho từng tờ.
Tỉnh Tver không có trận đánh lớn nào, nhưng đã góp phần vào chiến thắng: dân quân Tver được thành lập tại đây và đã bảo vệ Moskva. Điều tôi thấy thú vị nhất là những bản khắc như thế từng hoạt động như "tin tức bằng hình ảnh", và nay sẽ trở thành một phần của lịch sử lâu dài của vùng.
Nguồn: МК в Твери
Bảo tàng In ấn Quốc tế thành phố Machida đang tổ chức triển lãm tập trung vào «tiếng cười» được thể hiện trong ukiyo-e. Triển lãm diễn ra từ ngày 12 tháng 9 đến 23 tháng 11 năm 2026; đợt đầu kết thúc vào 12 tháng 10 và đợt hai bắt đầu vào 15 tháng 10. Lấy bộ sưu tập ukiyo-e của bảo tàng làm trung tâm, khoảng 250 tác phẩm được trưng bày trong cả hai đợt.
Chủ đề là: ngay cả vào cuối thời Edo và thời Minh Trị, khi thiên tai và chiến tranh gieo rắc lo âu, ukiyo-e vẫn tiếp tục khắc họa tiếng cười dưới dạng tranh biếm họa và châm biếm. Triển lãm gồm sáu chương, mở đầu bằng tranh phong cảnh danh lam và tranh biếm họa của Utagawa Hiroshige, cùng các tác phẩm hài hước và châm biếm của Utagawa Kuniyoshi.
Các chương tiếp theo giới thiệu namazu-e được làm sau trận động đất Ansei ở Edo, các bản in về dịch sởi năm 1862, và «awate-e» vẽ cảnh người dân hoảng hốt khi tàu chiến nước ngoài kéo đến sau sự kiện Namamugi. Ngoài ra còn có tranh khai hóa của Shōsai Ikkei, đặt những người bối rối trước hiện đại hóa lên các danh lam, báo nishiki-e, và «ponchi-e» của Kobayashi Kiyochika. Cách sắp xếp này cho phép theo dõi cách các bản in phản ánh không khí thời đại.
Vì tranh khắc gỗ có thể in với số lượng lớn, những trò đùa thời sự và sự mỉa mai lan truyền rất nhanh. Ý tưởng cho rằng chính biểu hiện của tiếng cười là phương tiện truyền thông của thời đó rất thú vị đối với một người yêu tranh in như tôi.
Trong thời gian triển lãm có các buổi thuyết giảng tưởng niệm và trò chuyện tại phòng trưng bày, và cũng có thể xem triển lãm nhỏ diễn ra song song «Miró và Tàpies: xoáy nước của Tây Ban Nha hậu chiến» (miễn phí vào cửa). Vé người lớn 1.000 yên, bảo tàng đóng cửa vào thứ Hai, nên hãy kiểm tra lịch trên trang web chính thức trước khi đến.
Nguồn: Bảo tàng In ấn Quốc tế thành phố Machida
Bridget Quinn trên Hyperallergic đã điểm sách The Story of Printmaking: A Global History of Art của Holly EJ Black (năm 2026), và lập luận của bà khiến tôi suy nghĩ mãi: lịch sử tranh in về bản chất là lịch sử dân chủ hóa nghệ thuật.
Điểm xuất phát của Quinn là việc hình ảnh từng hiếm hoi đến mức nào. Trước khi in ấn lan rộng, hình ảnh chủ yếu gắn với nghi lễ tôn giáo, không gian thiêng liêng, giáo dục chuyên biệt hoặc sự giàu có. Tranh in là một trong những thách thức sớm nhất và bền bỉ nhất đối với sự độc quyền ấy, vì đó là những tác phẩm nghệ thuật đầu tiên có thể nhân bản với số lượng lớn và truyền từ tay này sang tay khác.
Bài điểm sách cũng chỉ ra rằng nghệ thuật in thường bị xem là thứ yếu so với hội họa và điêu khắc, dù tranh in đã mang tín ngưỡng tôn giáo và lịch sử tư tưởng khắp thế giới, và từng là công cụ tuyên truyền cũng như phản kháng. Theo Quinn, cuốn sách của Black đưa vào những góc nhìn từ nhiều vùng đất và đặt ở trung tâm câu chuyện những con người có lẽ chẳng phải nghệ sĩ.
Bài điểm sách minh họa bằng tranh của Hokusai «Núi Phú Sĩ nhìn từ Kanaya trên Tōkaidō» trong loạt «Ba mươi sáu cảnh núi Phú Sĩ» (khoảng 1830–1832), một lời nhắc hay về việc một bản khắc gỗ có thể đưa một hình ảnh tới số đông khán giả thế nào.
Là người yêu khắc gỗ và khắc linô, tôi thích cách nhìn này. Mỗi lần in ra một bản, ta đang làm một phiên bản nhỏ của cùng điều đó: đưa một ý tưởng đến nhiều bàn tay. Quinn kết lại bằng gợi ý rằng thông điệp ấy đặc biệt phù hợp lúc này, và tôi nghĩ bà nói đúng.
Nguồn: Hyperallergic
Bảo tàng In ấn Quốc tế thành phố Machida đang tổ chức triển lãm đặc biệt nhỏ mang tên "Miró và Tàpies: Xoáy nước Tây Ban Nha hậu chiến 1945–1980". Triển lãm mở từ ngày 4 tháng 9 đến 23 tháng 11 năm 2026, vé vào cửa miễn phí và được bố trí trong các phòng trưng bày thường trực.
Triển lãm giới thiệu những nghệ sĩ đã tiếp tục tìm kiếm sự tự do tinh thần ở Tây Ban Nha hậu chiến dưới chế độ độc tài Franco, khi tự do ngôn luận bị hạn chế. Trung tâm là Joan Miró và Antoni Tàpies, cùng với tác phẩm của Antoni Clavé, Eduardo Chillida và Rafael Canogar. Khoảng 25 tác phẩm được trưng bày.
Là người yêu tranh in, tôi để ý rằng phần giới thiệu từng tác phẩm đều ghi rõ kỹ thuật. Tác phẩm "Người phụ nữ bị giam cầm" (1969) của Miró được thực hiện bằng kỹ thuật khắc axit, aquatint và carborundum, và là tác phẩm được gửi lưu tại bảo tàng. Một tác phẩm khác là "Nocturne" (1953), một bản thạch bản đăng trên các số 57, 58 và 59 của tạp chí tranh in Derrière le Miroir, và thuộc bộ sưu tập của bảo tàng. Thật thú vị khi thấy đường nét và mảng màu thay đổi nhiều đến thế khi cùng một họa sĩ đổi kỹ thuật.
Miró đã công khai phản đối Franco ngay từ trước chiến tranh và ở lại Tây Ban Nha như một "người lưu vong trong nước". Từ quê hương Catalonia, ông xây dựng một thế giới thơ mộng, nơi những vì sao và loài chim trở thành ký hiệu. Tàpies thể hiện sự sống, cái chết và tinh thần kháng cự bằng cách chồng các chữ cái và ký hiệu thô ráp lên bề mặt dày nặng gợi nhớ bức tường hay đất.
Giờ mở cửa các ngày trong tuần là 10:00 đến 17:00, cuối tuần và ngày lễ đến 17:30. Bảo tàng đóng cửa vào thứ Hai, nhưng sẽ mở cửa vào ngày 12 tháng 10 và đóng cửa vào ngày 13. Danh mục tác phẩm được công bố dưới dạng PDF, tôi muốn xem trước khi đến.
Nguồn: Bảo tàng In ấn Quốc tế thành phố Machida
Tranh khắc gỗ Płazów là một truyền thống dễ bị bỏ qua nhưng rất đáng biết. Đó là bộ sưu tập khuôn in khắc gỗ thế kỷ XIX gắn với Płazów thuộc quận Lubaczów: 13 tấm gỗ, một số được khắc hai mặt, tổng cộng 22 khuôn. Chủ đề chủ yếu mang tính tôn giáo: cảnh trong Cựu Ước và Tân Ước, hình ảnh Đức Maria và Chúa Giêsu, cùng các thánh của Giáo hội Công giáo Rôma và Giáo hội Công giáo Hy Lạp.
Việc phục dựng các khuôn của Maciej Kostrzycki ở Płazów do Józef Lewkowicz, nghệ nhân dân gian đến từ Nowe Sioło, đảm nhận. Theo Rzeszów Info, đây là công việc tỉ mỉ: phải đọc các hoa văn còn sót lại và chuyển chúng lên gỗ, đồng thời giữ được ngôn ngữ của nghệ thuật xưa. Năm 2022, «Tái kích hoạt và phát triển tranh khắc gỗ Płazów» được ghi vào Sổ đăng ký quốc gia về thực hành tốt trong bảo vệ di sản văn hóa phi vật thể, và Lewkowicz trở thành một trong những người lưu giữ chính thức đầu tiên của truyền thống này. Năm 2025, ông nhận huy hiệu «Có công với văn hóa Ba Lan».
Triển lãm «Józef Lewkowicz – trong vòng tròn tranh khắc gỗ Płazów» tại Bảo tàng Dân tộc học F. Kotula ở Rzeszów (Rynek 6) trưng bày bản in các hình ảnh đã phục dựng cùng tác phẩm riêng của nghệ nhân. Lễ khai mạc được dự kiến vào ngày 24 tháng 9 năm 2026 lúc 17 giờ, vào cửa miễn phí. Điểm nhấn là lễ công bố tác phẩm mới nhất của ông: bức khắc thánh Onufry, khuôn thứ 16 được phục dựng.
Tôi vui vì có người xem một mảnh gỗ và đường khắc trên đó như lịch sử sống động, chứ không chỉ là hiện vật sau lớp kính.
Nguồn: Rzeszów Info
