Je me suis lancé dans la sérigraphie textile il y a quelques mois et j'ai dévoré un article très clair qui m'a enfin fait comprendre la technique. Le principe est simple : on transfère de l'encre à travers un pochoir tendu sur un cadre, mais derrière cette apparente simplicité se cache un vrai savoir-faire.
Pour commencer, il faut un cadre avec une maille fine, de l'émulsion photosensible, une raclette et des encres textiles. On expose l'écran à la lumière UV à travers un typon, on rince, et le motif apparaît en négatif. C'est cette étape d'insolation qui demande le plus de rigueur.
Ce que j'aime dans cette technique, c'est le rendu : des couleurs intenses et opaques, même sur des tissus foncés, et une durabilité que l'impression numérique n'égale pas. En revanche, elle est moins adaptée aux toutes petites séries à cause du temps de préparation.
Mon conseil pour débuter sans se ruiner : un kit de base revient environ à 150–400 €, et l'on peut même utiliser l'exposition solaire pour un budget quasi nul. Se former via des cours en ligne aide aussi beaucoup à éviter les erreurs coûteuses.
Source : Pickles Graphic
Jusqu'au 6 décembre 2026, le musée Ota d'art, à Harajuku (Tokyo), accueille l'exposition « Katsushika Oi, Intérieur de la maison de Yoshiwara » et la généalogie des scènes nocturnes. La première partie se termine le 3 novembre, la seconde commence le 7 novembre. Hormis « Intérieur de la maison de Yoshiwara », toutes les œuvres sont remplacées entre les deux périodes.
L'œuvre phare est la peinture à la main de Katsushika Oi, « Intérieur de la maison de Yoshiwara ». On ne connaît qu'une douzaine de peintures d'Oi dans le monde, et ce chef-d'œuvre n'avait pas été montré depuis trois ans. Il se distingue par le contraste entre lumière et ombre.
L'autre point fort est un parcours à travers les scènes nocturnes de l'ukiyo-e. On y voit des nuits étoilées, des feux d'artifice et des soirs de pluie, avec notamment « Vues célèbres d'Edo : scène nocturne à Saruwaka-chō » d'Utagawa Hiroshige, « Tokyo à l'ère de la civilisation : le pont Ryōgoku » de Kobayashi Kiyochika, ainsi que des œuvres de Torii Kiyonaga et d'Utagawa Kunisada. Le bleu profond du ciel de Hiroshige et les vues nocturnes de la ville peintes par Kiyochika à l'ère Meiji forment un duo que j'aimerais voir côte à côte.
Des estampes nocturnes réalisées à la fin de l'ère Meiji pour l'exportation sont aussi présentées. Elles comprennent des reproductions et des hommages inspirés de Hiroshige et de Kiyochika, et s'intéressent aux éditeurs Hasegawa Takejirō et Watanabe Shōzaburō.
Dans les gravures sur bois, la « nuit » change beaucoup selon la façon dont l'encre sumi et l'indigo sont superposés. Je pense que les amateurs de tirage y prendront encore plus de plaisir. Le billet plein tarif coûte 1 200 yens, et seul le paiement en espèces est accepté.
Source : musée Ota d'art
Si vous êtes près de Newcastle upon Tyne cet automne, Lino North mérite une visite. L'exposition se tient à The Biscuit Factory (16 Stoddart Street) du 11 septembre au 29 novembre 2026, tous les jours de 10 h à 17 h, et l'entrée est gratuite.
Elle réunit seize graveurs sur linoléum venus du nord de l'Angleterre, du pays de Galles et d'Écosse : Ade Adesina, Bryan Angus, Laura Boswell, Linda Farquarson, Graham Firth, Eric Gaskell, Fiona Humphrey, Karen Menarry, Joshua Miles, Ingrid Nilsson, Babs Pease, Ian Phillips, Rosanna Reade, Masha Tiplady, Jane Walker et Deb Wing.
L'exposition s'intéresse au processus physique de la technique : graver, encrer et imprimer. Certains artistes travaillent par réduction, en découpant et en imprimant un même bloc par étapes. D'autres superposent plusieurs blocs pour construire couleur et structure. Voir les deux approches côte à côte permet de comprendre pourquoi deux linogravures peuvent paraître si différentes.
L'exposition s'inscrit dans l'intérêt constant de la galerie pour la gravure et les pratiques axées sur la matière. Pendant toute la durée de l'exposition, les artistes donneront des conférences et des démonstrations sur leurs méthodes. J'aimerais particulièrement assister à l'une d'elles, car la manière dont on explique ses choix de gravure est souvent la partie la plus utile pour qui apprend.
Source : ArtRabbit
L'exposition de gravure Print Parade #4 se tiendra à Kiniko Art, à Tirtonirmolo, Kasihan, Bantul, DIY, du 12 au 27 septembre 2026. Cette année, elle présente des œuvres de feu l'artiste Danang Hadi, des membres et anciens membres du Studio Grafis Minggiran, ainsi que de plusieurs graveurs invités. Le vernissage aura lieu le 12 septembre, avec l'artiste Ong Harry Wahyu.
Le commissaire Bambang « Toko » Witjaksono explique que Print Parade n'est pas seulement un lieu d'exposition, mais aussi un espace pour se souvenir, réfléchir au parcours, partager des expériences et ouvrir le dialogue entre les générations de graveurs. Le thème de cette année est « Relier le parcours et le renouveau de l'art graphique indonésien ». Print Parade a eu lieu pour la première fois en 2013.
Les travaux des stagiaires du Studio Grafis Minggiran pour la période 2023-2026 sont également exposés. Le studio, fondé en 2001, est présenté comme celui qui fait vivre l'art graphique en tant que pratique qui continue de se développer.
Pour moi, le passage le plus touchant est la manière dont l'exposition réunit les œuvres de l'artiste disparu et la jeune génération. La gravure a besoin de nouvelles mains pour que son processus ne s'arrête pas aux archives.
Source : DISTORI
Après deux années de fermeture pour travaux, le musée Goya de la fondation Ibercaja à Saragosse rouvre ses portes à l'occasion des fêtes du Pilar. Ce qui m'intéresse surtout, c'est ce qui est dit des gravures, car pour beaucoup, Goya est le grand maître de l'eau-forte en Espagne.
Selon les informations publiées, la rénovation fait passer la surface d'exposition de 3 700 à 4 660 mètres carrés et ajoute sept expériences technologiques, comme une salle immersive et des lunettes de réalité virtuelle. Sa directrice, Mai Forcén, insiste : ce n'est pas un musée technologique, la technologie ne fait qu'accompagner et donner du contexte. Même la façade est gravée de détails de l'œuvre du peintre.
Pour qui suit la gravure, le musée dispose d'une salle d'estampes et d'une salle d'estampes rénovée. Grâce à l'agrandissement, les Copies de Velázquez, réalisées par Goya entre 1778 et 1785, sont désormais exposées, ainsi qu'une autre série jamais montrée jusqu'ici. Avec l'ensemble de ses gravures et ses 33 Goya, le musée est, après le Prado, celui qui présente le plus d'œuvres du peintre aragonais.
Pour célébrer la réouverture, la fondation a réuni près d'une cinquantaine d'œuvres de Goya provenant de musées et de collections du monde entier dans l'exposition « Solo Goya. El Arte de ver », commissariée par Luis Fernández-Galiano, visible jusqu'au 10 janvier. Le musée a aussi intégré à ses collections des tableaux de Sorolla et une grande toile sur soie de Roberto Fabelo.
Personnellement, ce qui m'attire le plus, c'est de pouvoir voir les gravures dans une salle pensée pour elles, sans précipitation, à l'approche du bicentenaire de Goya en 2028.
Source : EL PAÍS
À la galerie Henze & Ketterer de Wichtrach, près de Berne, une exposition se poursuit jusqu'au 30 octobre 2026. En tant qu'amateur de gravure sur bois, j'ai tout de suite été curieux. À l'étage de la galerie, des gravures sur bois de Georg Baselitz et d'Ernst Ludwig Kirchner sont confrontées les unes aux autres.
Au centre, six grandes gravures sur bois en version remix de Baselitz réinterprètent des images héroïques de sa première période. Face à elles, des gravures majeures de Kirchner, issues de toutes les étapes de son œuvre, font écho. On voit ainsi comment les deux artistes travaillent avec la répétition et la reformulation, et comment deux générations de l'histoire de l'art allemand ont développé, chacune à leur manière, une force visuelle intemporelle.
Ce qui m'intéresse particulièrement, c'est qu'un catalogue en ligne accompagnant l'exposition place chaque gravure à côté de son pendant peint. Dans la gravure sur bois, où un même motif peut exister en plusieurs états, cette comparaison entre estampe et peinture vaut vraiment le détour.
La galerie se trouve au 26 Kirchstrasse à Wichtrach et ouvre du mardi au vendredi de 14 h 30 à 17 h 30, ou sur rendez-vous. L'exposition dure depuis le 1er mai 2025, il ne reste donc que quelques semaines.
Source : Interlaken Tourismus (Source : guidle.com)
Le musée d'histoire locale de Tver a reçu en don 34 estampes consacrées à la guerre patriotique de 1812 et aux guerres napoléoniennes. Le service de presse du gouvernement de la région de Tver l'a annoncé. Je trouve que c'est une bonne nouvelle pour tous ceux qui s'intéressent à la gravure ancienne.
Le donateur, Mikhaïl Karisalov, est industriel, collectionneur et mécène. Il réunit depuis longtemps gravures et lithographies sur la guerre de la Russie contre Napoléon, et a décidé de confier sa collection au musée en raison du lien historique de la région avec les événements de 1812. Pour le choix des documents, il a été aidé par Alexandre Avdeïev, ancien ministre russe de la Culture et ambassadeur en France et au Vatican, qui posséderait, selon l'article, l'une des meilleures collections privées d'estampes sur les relations franco-russes.
Les feuilles datent de la première moitié et du milieu du XIXe siècle. Leurs auteurs sont des graveurs français, polonais et russes ; parmi les maîtres cités figurent François et Jules Couché, Jean Réville, Adolphe-Jean-Baptiste Bayot, Pierre Girardet, Jean-Louis Langlois, Adrien Ladurner et Auguste Ober. Les sujets vont du passage du Niémen et de la bataille de Borodino aux combats de Smolensk, Polotsk, Maloïaroslavets et Poultousk, en passant par le passage de la Bérézina, l'incendie de Moscou, la retraite de l'armée française, les rencontres d'Alexandre Ier et de Napoléon à Tilsit et à Erfurt, et l'entrée des monarques alliés dans Paris le 31 mars 1814. Le communiqué ne précise pas quelles techniques ont été utilisées pour chaque feuille.
Aucune grande bataille n'a eu lieu dans la province de Tver, mais elle a contribué à la victoire : c'est là qu'a été formée la milice de Tver, qui a défendu Moscou. Ce qui me touche le plus, c'est que ces estampes ont jadis fonctionné comme des « nouvelles en images », et qu'elles vont désormais faire partie de l'histoire permanente de la région.
Source : МК в Твери
Le musée international de l'estampe de la ville de Machida accueille une exposition consacrée au « rire » dans les ukiyo-e. Elle se tient du 12 septembre au 23 novembre 2026, la première période se terminant le 12 octobre et la seconde débutant le 15 octobre. Autour de la collection d'ukiyo-e du musée, environ 250 œuvres sont présentées sur les deux périodes.
Le thème : même à la fin de l'époque d'Edo et durant l'ère Meiji, quand catastrophes naturelles et guerres répandaient l'angoisse, les ukiyo-e ont continué à représenter le rire sous forme de caricatures et de satires. L'exposition compte six chapitres, qui commencent par les vues de lieux célèbres et les caricatures d'Utagawa Hiroshige, puis les images comiques et satiriques d'Utagawa Kuniyoshi.
Les chapitres suivants présentent les namazu-e réalisées après le séisme d'Ansei à Edo, les estampes de l'épidémie de rougeole de 1862 et les « awate-e », qui montrent des gens affolés par l'arrivée des flottes étrangères après l'incident de Namamugi. On découvre aussi les images de civilisation de Shōsai Ikkei, qui superposent aux lieux célèbres des personnes déboussolées par la modernisation, les journaux en nishiki-e et les « ponchi-e » de Kobayashi Kiyochika. Le parcours permet de suivre comment l'estampe a reflété l'air du temps.
Les gravures sur bois pouvant être tirées en grand nombre, les plaisanteries d'actualité et l'ironie se diffusaient rapidement. L'idée que l'expression du rire était en soi le média de l'époque est très intéressante pour un passionné d'estampe comme moi.
Pendant l'exposition, il y a des conférences commémoratives et des visites commentées de la galerie, et l'on peut aussi profiter de la petite exposition parallèle « Miró et Tàpies : les tourbillons de l'Espagne d'après-guerre » (entrée libre). Le billet plein tarif coûte 1 000 yens et le musée est fermé le lundi ; pensez à vérifier le calendrier sur le site officiel avant de partir.
Source : Musée international de l'estampe de la ville de Machida
Dans sa critique du livre de Holly EJ Black paru en 2026, The Story of Printmaking: A Global History of Art, Bridget Quinn, pour Hyperallergic, m'a laissé une idée qui me reste en tête : l'histoire de l'estampe est, au fond, celle de la démocratisation de l'art.
Le point de départ de Quinn est la rareté des images d'autrefois. Avant la diffusion de l'imprimerie, les images étaient surtout liées au rituel religieux, aux lieux sacrés, à une éducation spécialisée ou à la richesse. Les estampes ont été parmi les premières et les plus durables remises en cause de cette exclusivité, car il s'agissait des premières œuvres d'art pouvant être reproduites en grand nombre et passer de main en main.
La critique souligne aussi que la gravure est souvent considérée comme secondaire par rapport à la peinture et à la sculpture, alors que les estampes ont porté des croyances religieuses et une histoire intellectuelle dans le monde entier, et ont servi d'outils de propagande et de protestation. Selon Quinn, le livre de Black intègre des regards venus de nombreuses régions et place au centre du récit des figures qui n'étaient peut-être pas des artistes.
La critique est illustrée par « Le Fuji vu de Kanaya sur le Tōkaidō », extrait des Trente-six vues du mont Fuji d'Hokusai (vers 1830-1832), un bon rappel de la façon dont une seule gravure sur bois pouvait toucher un très large public.
En tant qu'amateur de gravure sur bois et de linogravure, j'ai apprécié ce point de vue. Chaque fois qu'on tire une épreuve, on fait une petite version de la même chose : rendre une idée accessible à beaucoup de mains. Quinn conclut que ce message est particulièrement pertinent aujourd'hui, et je pense qu'elle a raison.
Source : Hyperallergic
Le musée international de la gravure de la ville de Machida accueille une petite exposition temporaire intitulée « Miró et Tàpies : le tourbillon de l'Espagne d'après-guerre 1945-1980 ». Elle se tient du 4 septembre au 23 novembre 2026, l'entrée est gratuite et elle a lieu dans la salle d'exposition permanente.
L'exposition présente des artistes qui, dans l'Espagne d'après-guerre sous la dictature franquiste, ont continué à rechercher la liberté de l'esprit alors que la liberté d'expression était restreinte. Joan Miró et Antoni Tàpies sont au centre, aux côtés d'œuvres d'Antoni Clavé, d'Eduardo Chillida et de Rafael Canogar. Une vingtaine de pièces, environ 25, sont présentées.
En amateur d'estampes, j'ai remarqué que les notices indiquent les techniques employées. « La Femme captive » (1969) de Miró est réalisée à l'eau-forte, à l'aquatinte et au carborundum, et il s'agit d'une œuvre déposée au musée. Une autre pièce, « Nocturne » (1953), est une lithographie publiée dans les numéros 57, 58 et 59 de la revue d'estampes Derrière le Miroir, et elle appartient aux collections du musée. Il est saisissant de voir à quel point les traits et les surfaces changent quand le même artiste change de technique.
Miró affichait son opposition à Franco dès avant la guerre et, en « exilé intérieur », il est resté en Espagne. Depuis sa Catalogne natale, il a construit un univers poétique où les étoiles et les oiseaux deviennent des signes. Tàpies a exprimé la vie, la mort et l'esprit de résistance en superposant des lettres et des signes rugueux sur des surfaces lourdes qui évoquent le mur ou la terre.
Les horaires sont de 10 h à 17 h en semaine, et jusqu'à 17 h 30 les week-ends et jours fériés. Le musée est fermé le lundi, mais il ouvrira le 12 octobre et fermera le lendemain, le 13. La liste des œuvres est publiée en PDF, je veux la consulter avant d'y aller.
Source : Musée international de la gravure de Machida
La gravure sur bois de Płazów fait partie de ces traditions faciles à négliger, et qui méritent pourtant d'être connues. Il s'agit d'une collection de matrices de gravure sur bois du XIXe siècle liées à Płazów, dans le powiat de Lubaczów : 13 tablettes de bois, dont certaines gravées recto verso, ce qui donne 22 matrices. Les sujets sont surtout religieux : scènes de l'Ancien et du Nouveau Testament, images de Marie et de Jésus, saints de l'Église catholique romaine et de l'Église gréco-catholique.
La reconstitution des matrices de Maciej Kostrzycki, de Płazów, a été entreprise par Józef Lewkowicz, artiste populaire de Nowe Sioło. Selon Rzeszów Info, c'est un travail minutieux : il faut déchiffrer les motifs conservés et les reporter sur le bois, tout en préservant le langage de l'art ancien. En 2022, « Réactivation et développement de la gravure sur bois de Płazów » a été inscrite au Registre national des bonnes pratiques de sauvegarde du patrimoine culturel immatériel, et Lewkowicz est devenu l'un des premiers dépositaires officiels de cette tradition. En 2025, il a reçu l'insigne « Mérite pour la culture polonaise ».
L'exposition « Józef Lewkowicz – dans le cercle de la gravure sur bois de Płazów », au musée ethnographique F. Kotula de Rzeszów (Rynek 6), présente des tirages des images reconstituées ainsi que des œuvres personnelles de l'artiste. Le vernissage était prévu le 24 septembre 2026 à 17 h, l'entrée était libre. Le point fort devait être le dévoilement de sa dernière œuvre, une gravure de saint Onuphre, la 16e matrice reconstituée.
Je me réjouis que quelqu'un considère un morceau de bois et la ligne gravée dedans comme une histoire vivante, et non comme un simple objet derrière une vitrine.
Source : Rzeszów Info
