Kilka miesięcy temu zacząłem zajmować się sitodrukiem na tkaninach i pochłonąłem bardzo przejrzysty artykuł, dzięki któremu w końcu zrozumiałem tę technikę. Zasada jest prosta: farbę przenosi się przez szablon naciągnięty na ramę, ale za tą pozorną prostotą kryje się prawdziwe rzemiosło.
Na początek potrzebna jest rama z drobną siatką, emulsja światłoczuła, rakla i farby do tkanin. Sito naświetla się światłem UV przez kliszę, płucze, a wzór pojawia się w negatywie. To właśnie etap naświetlania wymaga największej precyzji.
To, co lubię w tej technice, to efekt: intensywne i kryjące kolory, nawet na ciemnych tkaninach, oraz trwałość, której druk cyfrowy nie dorównuje. Z drugiej strony jest mniej odpowiednia do bardzo małych serii ze względu na czas przygotowania.
Moja rada, jak zacząć bez rujnowania się: podstawowy zestaw kosztuje około 150–400 €, a można nawet naświetlać w słońcu przy niemal zerowym budżecie. Kursy online również bardzo pomagają uniknąć kosztownych błędów.
Źródło: Pickles Graphic
Do 6 grudnia 2026 roku w Ota Memorial Museum of Art w tokijskiej dzielnicy Harajuku trwa wystawa „Katsushika Oi, »Wnętrze domu Yoshiwara« i linia nocnych widoków”. Pierwsza część potrwa do 3 listopada, druga rozpocznie się 7 listopada. Z wyjątkiem „Wnętrza domu Yoshiwara” wszystkie prace są w obu częściach wymieniane.
Główną bohaterką jest ręcznie malowany obraz Katsushika Oi „Wnętrze domu Yoshiwara”. Wiadomo, że na świecie zachowało się zaledwie kilkanaście obrazów Oi, a to arcydzieło pokazywane jest po raz pierwszy od trzech lat. Dzieło wyróżnia kontrast światła i cienia.
Drugim punktem programu jest wystawa śledząca rozwój motywu nocnego pejzażu w ukiyo-e. Pokazano gwiaździste noce, fajerwerki i deszczowe wieczory, m.in. „Słynne widoki Edo: nocny widok w Saruwaka-chō” Utagawy Hiroshige, „Tokio w epoce cywilizacji: most Ryōgoku” Kobayashiego Kiyochiki oraz prace Toriiego Kiyonagi i Utagawy Kunisady. Głęboki granat nieba Hiroshigego i nocne widoki miasta Kiyochiki z epoki Meiji tworzą zestawienie, które chciałbym zobaczyć obok siebie.
Zaprezentowano też nocne grafiki powstałe pod koniec epoki Meiji na eksport. Są wśród nich reprodukcje i hołdy inspirowane pracami Hiroshigego i Kiyochiki, a uwagę zwrócono także na wydawców Hasegawę Takejirō i Watanabe Shōzaburō.
W drzeworytach „noc” zmienia się bardzo zależnie od tego, jak nakłada się tusz sumi i indygo. Myślę, że osoby zainteresowane drukiem bawią się jeszcze lepiej. Bilet normalny kosztuje 1200 jenów, płatność wyłącznie gotówką.
Źródło: Ota Memorial Museum of Art
Jeśli tej jesieni będziesz w pobliżu Newcastle upon Tyne, warto odwiedzić Lino North. Wystawa odbywa się w The Biscuit Factory (16 Stoddart Street) od 11 września do 29 listopada 2026 roku, codziennie od 10:00 do 17:00, a wstęp jest bezpłatny.
Zgromadzono na niej szesnastu grafików linorytniczych z północnej Anglii, Walii i Szkocji: Ade Adesinę, Bryana Angusa, Laurę Boswell, Lindę Farquarson, Grahama Firtha, Erica Gaskella, Fionę Humphrey, Karen Menarry, Joshuę Miles, Ingrid Nilsson, Babs Pease, Iana Phillipsa, Rosannę Reade, Mashę Tiplady, Jane Walker i Deb Wing.
Wystawa skupia się na fizycznym procesie techniki: rzeźbieniu, nakładaniu farby i odbijaniu. Niektórzy artyści pracują metodą redukcji, wycinając i odbijając jeden blok etapami. Inni nakładają kilka bloków, budując kolor i strukturę. Zestawienie obu podejść pozwala zrozumieć, dlaczego dwa linoryty mogą wyglądać tak różnie.
Wystawa wpisuje się w długotrwałe zainteresowanie galerii grafiką i praktykami opartymi na materiale. W trakcie jej trwania artyści wygłoszą prelekcje i pokażą swoje metody w praktyce. Szczególnie chciałbym trafić na jedną z nich, bo to, jak ludzie tłumaczą swoje decyzje przy rzeźbieniu, często jest najbardziej przydatne dla osób, które się uczą.
Źródło: ArtRabbit
Wystawa grafiki Print Parade #4 odbędzie się w Kiniko Art, w Tirtonirmolo, Kasihan, Bantul, DIY, od 12 do 27 września 2026 roku. W tym roku pokazuje prace zmarłego artysty Danang Hadiego, członków i byłych członków Studio Grafis Minggiran oraz kilku zaproszonych grafików. Wystawę 12 września otworzy artysta Ong Harry Wahyu.
Kurator Bambang „Toko” Witjaksono wyjaśnia, że Print Parade to nie tylko miejsce do prezentowania prac, lecz także przestrzeń do pamiętania, refleksji nad drogą, dzielenia się doświadczeniami i otwierania dialogu między pokoleniami grafików. Tegoroczny temat brzmi: „Łącząc drogę i odnowę indonezyjskiej sztuki graficznej”. Print Parade po raz pierwszy odbył się w 2013 roku.
Na wystawie znalazły się także prace stażystów Studio Grafis Minggiran z lat 2023–2026. Studio, założone w 2001 roku, podtrzymuje sztukę graficzną jako żywą praktykę, która wciąż się rozwija.
Dla mnie najbardziej poruszające jest to, jak wystawa zestawia prace zmarłego artysty z młodszym pokoleniem. Grafika potrzebuje nowych rąk, aby jej proces nie kończył się w archiwum.
Źródło: DISTORI
Po dwóch latach zamknięcia z powodu prac remontowych Muzeum Goi Fundacji Ibercaja w Saragossie ponownie otwiera drzwi, w czasie świąt ku czci Pilar. Najbardziej interesuje mnie to, co mówi się o grafikach, bo dla wielu osób Goya to wielki mistrz akwaforty w Hiszpanii.
Zgodnie z podanymi informacjami remont zwiększa powierzchnię wystawową z 3700 do 4660 metrów kwadratowych i dodaje siedem doświadczeń technologicznych, takich jak sala immersyjna i gogle wirtualnej rzeczywistości. Jego dyrektorka, Mai Forcén, zapewnia, że to nie jest muzeum technologiczne: technologia tylko towarzyszy i nadaje kontekst. Nawet elewacja jest ozdobiona szczegółami z dzieł malarza.
Dla osób interesujących się grafiką muzeum ma salę grafik i odnowioną salę odbitek. Dzięki rozbudowie prezentowane są teraz Kopie Velázqueza, wykonane przez Goyę w latach 1778–1785, oraz kolejna seria, która nigdy wcześniej nie była wystawiana. Z pełną serią swoich grafik i 33 obrazami Goi muzeum jest, po Prado, tym, które pokazuje najwięcej dzieł aragońskiego malarza.
Na uczczenie ponownego otwarcia fundacja zgromadziła prawie pięćdziesiąt dzieł Goi z muzeów i kolekcji z całego świata na wystawie „Solo Goya. El Arte de ver”, kuratorowanej przez Luisa Fernándeza-Galiana. Można ją oglądać do 10 stycznia. Muzeum wzbogaciło też swoje zbiory o tablice Sorolli i duże jedwabne płótno Roberta Fabelo.
Osobiście najbardziej przyciąga mnie możliwość obejrzenia grafik w sali zaprojektowanej specjalnie dla nich, bez pośpiechu, tuż przed dwusetną rocznicą urodzin Goi w 2028 roku.
Źródło: EL PAÍS
W Galerii Henze & Ketterer w Wichtrach pod Bernem trwa do 30 października 2026 roku wystawa, która jako miłośnika drzeworytu od razu mnie zaciekawiła. Na piętrze galerii zestawiono ze sobą drzeworyty Georga Baselitza i Ernsta Ludwiga Kirchnera.
W centrum znajduje się sześć wielkoformatowych drzeworytów-remiksów Baselitza, które na nowo interpretują heroiczne obrazy z jego wczesnego okresu. Naprzeciw nich stoją kluczowe drzeworyty Kirchnera z każdej fazy jego twórczości. Widać więc, jak obaj artyści pracują z powtórzeniem i przeformułowaniem oraz jak dwa pokolenia niemieckiej historii sztuki na swój sposób wypracowały ponadczasową siłę obrazu.
Szczególnie ciekawe jest to, że towarzyszący wystawie katalog online zestawia każdy wystawiony drzeworyt z jego malarskim odpowiednikiem. W drzeworycie, gdzie jeden motyw może istnieć w kilku wersjach, takie porównanie odbitki z obrazem naprawdę się opłaca.
Galeria mieści się przy Kirchstrasse 26 w Wichtrach i jest otwarta od wtorku do piątku w godzinach 14:30–17:30 lub po umówieniu. Wystawa trwa od 1 maja 2025 roku, więc zostało już tylko kilka tygodni.
Źródło: Interlaken Tourismus (Źródło: guidle.com)
Tweruskiemu Muzeum Krajoznawczemu przekazano kolekcję 34 grafik poświęconych wojnie ojczyźnianej 1812 roku i wojnom napoleońskim. Poinformowała o tym służba prasowa rządu obwodu twerskiego. Moim zdaniem to dobra wiadomość dla wszystkich, którzy interesują się dawną grafiką.
Darczyńcą jest Michaił Karisałow, przemysłowiec, kolekcjoner i mecenas. Od dawna zbiera ryciny i litografie dotyczące wojny Rosji z Napoleonem i postanowił przekazać zbiór muzeum, ponieważ region ma historyczny związek z wydarzeniami z 1812 roku. Przy doborze materiałów pomagał mu Aleksandr Awdiejew, były minister kultury Rosji i ambasador we Francji oraz przy Stolicy Apostolskiej. Według doniesień posiada on jedną z najlepszych prywatnych kolekcji grafik dotyczących stosunków rosyjsko-francuskich.
Arkusze pochodzą z pierwszej połowy i z połowy XIX wieku. Ich autorami są graficy francuscy, polscy i rosyjscy; wśród wymienionych mistrzów są François i Jules Couché, Jean Réville, Adolphe-Jean-Baptiste Bayot, Pierre Girardet, Jean-Louis Langlois, Adrien Ladurner i Auguste Ober. Tematy obejmują przeprawę przez Niemen, bitwę pod Borodino, walki pod Smoleńskiem, Połockiem, Małojarosławcem i Pułtuskiem, przeprawę przez Berezynę, pożar Moskwy, odwrót armii francuskiej, spotkania Aleksandra I z Napoleonem w Tylży i Erfurcie oraz wkroczenie monarchów sprzymierzonych do Paryża 31 marca 1814 roku. Z doniesienia nie wynika, jakie techniki zastosowano w poszczególnych arkuszach.
Na terenie obwodu twerskiego nie toczyły się wielkie bitwy, ale region przyczynił się do zwycięstwa: powstała tam twerska milicja, która broniła Moskwy. Szczególnie interesujące jest to, że takie grafiki kiedyś pełniły rolę „wiadomości w obrazkach”, a teraz staną się częścią stałej historii regionu.
Źródło: МК в Твери
W Międzynarodowym Muzeum Grafiki miasta Machida trwa wystawa poświęcona „śmiechowi” przedstawionemu w ukiyo-e. Potrwa od 12 września do 23 listopada 2026 roku; pierwsza część kończy się 12 października, druga zaczyna się 15 października. Oparta na kolekcji ukiyo-e muzeum wystawa obejmuje w obu częściach około 250 prac.
Temat: nawet w schyłkowym okresie Edo i w epoce Meiji, gdy klęski żywiołowe i wojny budziły niepokój, ukiyo-e wciąż przedstawiały śmiech w formie karykatur i satyry. Wystawa składa się z sześciu rozdziałów, zaczynających się od widoków słynnych miejsc i karykatur Utagawy Hiroshige oraz od komicznych i satyrycznych prac Utagawy Kuniyoshiego.
Kolejne rozdziały prezentują namazu-e powstałe po trzęsieniu ziemi Ansei w Edo, druki o epidemii odry z 1862 roku oraz „awate-e”, na których ludzie wpadają w popłoch na widok obcych flot po incydencie w Namamugi. Pokazano też obrazy oświeceniowe Shōsai Ikkeia, które nakładają na słynne miejsca zagubionych wobec modernizacji ludzi, gazety w technice nishiki-e oraz „ponchi-e” Kobayashiego Kiyochiki. Taka konstrukcja pozwala prześledzić, jak druki odzwierciedlały ducha epoki.
Ponieważ drzeworyty można było drukować w dużych nakładach, aktualne żarty i ironia szybko się rozchodziły. Myśl, że sam wyraz śmiechu był ówczesnym medium, jest bardzo interesująca dla miłośnika grafiki, jakim jestem.
W czasie wystawy odbywają się wykłady okolicznościowe i rozmowy w galerii, a można też zobaczyć równolegle prezentowaną niewielką wystawę „Miró i Tàpies: wir powojennej Hiszpanii” (wstęp wolny). Bilet normalny kosztuje 1000 jenów, a muzeum jest zamknięte w poniedziałki, więc przed wizytą warto sprawdzić terminy na oficjalnej stronie.
Źródło: Międzynarodowe Muzeum Grafiki miasta Machida
Bridget Quinn w Hyperallergic zrecenzowała książkę Holly EJ Black z 2026 roku The Story of Printmaking: A Global History of Art, a jej argument mnie zatrzymał: historia grafiki to w gruncie rzeczy historia demokratyzacji sztuki.
Punktem wyjścia Quinn jest to, jak rzadkie były kiedyś obrazy. Zanim druk się rozpowszechnił, obrazy były związane przede wszystkim z obrzędami religijnymi, miejscami sakralnymi, specjalistycznym wykształceniem lub bogactwem. Grafiki były jednym z pierwszych i najtrwalszych wyzwań dla tej ekskluzywności, bo były pierwszymi dziełami sztuki, które można było powielać w dużych nakładach i przekazywać z rąk do rąk.
Recenzja zwraca też uwagę, że grafikę często traktuje się jako mniej ważną niż malarstwo i rzeźbę, choć grafiki na całym świecie niosły wierzenia religijne i historię intelektualną, a także służyły jako narzędzia propagandy i protestu. Według Quinn książka Black uwzględnia perspektywy wielu regionów i stawia w centrum opowieści postacie, które być może wcale nie były artystami.
Recenzję ilustruje Hokusai „Fuji widziana z Kanaya na Tōkaidō” z cyklu Trzydzieści sześć widoków góry Fuji (ok. 1830–32), co dobrze pokazuje, jak jedna drzeworytnicza odbitka mogła dotrzeć do ogromnej publiczności.
Jako ktoś, kto lubi drzeworyt i linoryt, polubiłem to ujęcie. Za każdym razem, gdy robi się odbitkę, wykonuje się małą wersję tego samego: sprawia, że jedna idea trafia do wielu rąk. Quinn kończy, sugerując, że przesłanie jest szczególnie aktualne właśnie teraz, i myślę, że ma rację.
Źródło: Hyperallergic
W Miejskim Międzynarodowym Muzeum Grafiki w Machidzie trwa niewielka wystawa pod tytułem „Miró i Tàpies: wir powojennej Hiszpanii 1945–1980”. Potrwa od 4 września do 23 listopada 2026 roku, wstęp jest bezpłatny, a ekspozycja odbywa się w salach stałej wystawy.
Wystawa przedstawia artystów, którzy w powojennej Hiszpanii rządzonej przez dyktaturę Franco, gdy wolność wypowiedzi była ograniczona, nadal szukali wolności ducha. W centrum są Joan Miró i Antoni Tàpies, a obok nich prace Antoniego Clavégo, Eduardo Chillidy i Rafaela Canogara. Pokazano około 25 dzieł.
Jako miłośnika grafiki zwróciło moją uwagę to, że opisy prac podają techniki. „Uwięziona kobieta” Miró (1969) wykonano w technice akwaforty, akwatinty i karborundu, i jest to dzieło przekazane muzeum w depozyt. Inny utwór, „Nokturn” (1953), to litografia opublikowana w numerach 57, 58 i 59 czasopisma graficznego Derrière le Miroir, który należy do zbiorów muzeum. Ciekawie jest zobaczyć, jak zmieniają się linie i plamy, gdy ten sam artysta zmienia technikę.
Miró otwarcie sprzeciwiał się Franco już przed wojną i jako „emigrant wewnętrzny” pozostał w Hiszpanii. Z rodzinnej Katalonii stworzył poetycki świat, w którym gwiazdy i ptaki stają się znakami. Tàpies wyrażał życie, śmierć i ducha oporu, nakładając szorstkie litery i znaki na ciężkie powierzchnie przypominające mur lub ziemię.
W dni powszednie muzeum jest otwarte od 10:00 do 17:00, a w weekendy i święta do 17:30. W poniedziałki jest zamknięte, ale 12 października będzie otwarte, a 13 października zamknięte. Lista prac jest dostępna w formacie PDF i chcę ją sprawdzić przed wizytą.
Źródło: Miejskie Międzynarodowe Muzeum Grafiki w Machidzie
Drzeworyt płazowski to jedna z tych tradycji, które łatwo przeoczyć, a które warto znać. To kolekcja XIX-wiecznych matryc drzeworytniczych związanych z Płazowem w powiecie lubaczowskim: 13 drewnianych tabliczek, z których część rytowano dwustronnie, co daje 22 matryce. Tematyka jest głównie religijna – sceny ze Starego i Nowego Testamentu, wizerunki Maryi i Jezusa oraz świętych Kościoła rzymskokatolickiego i greckokatolickiego.
Odtworzeniem matryc Macieja Kostrzyckiego z Płazowa zajął się Józef Lewkowicz, artysta ludowy z Nowego Sioła. Jak podaje Rzeszów Info, to żmudna praca: trzeba odczytać zachowane wzory i przenieść je na drewno, zachowując język dawnej sztuki. W 2022 roku „Reaktywacja i rozwój drzeworytu płazowskiego” trafiła do Krajowego rejestru dobrych praktyk w ochronie niematerialnego dziedzictwa kulturowego, a Lewkowicz został jednym z pierwszych oficjalnych depozytariuszy tej tradycji. W 2025 roku otrzymał odznakę „Zasłużony dla Kultury Polskiej”.
Wystawa „Józef Lewkowicz – w kręgu drzeworytu płazowskiego” w Muzeum Etnograficznym im. F. Kotuli w Rzeszowie (Rynek 6) pokazuje odbitki zrekonstruowanych przedstawień oraz prace autorskie artysty. Wernisaż zaplanowano na 24 września 2026 roku na godz. 17:00, wstęp był wolny. Najważniejszym punktem miało być odsłonięcie najnowszego dzieła – drzeworytu ze św. Onufrym, 16. odtworzonej matrycy.
Cieszy mnie, że ktoś traktuje kawałek drewna i wyrytą w nim linię jak żywą historię, a nie tylko eksponat za szybą.
Źródło: Rzeszów Info
